Constructivismo y Neoobjetividad.

La Bauhaus

La Bauhaus, creada en 1919 se convirtió en la heredera del Werkbund, salvo que eran mucho más conscientes de las limitaciones que la técnica proyectaba sobre el diseñador y su esencia viene definida por la reducción de las formas a sus elementos geométricos.

La Bauhaus, hoy convertida en mito tiene sus raíces en el diseño moderno, más que en la Werkbund, en el grupo holandés De Stijl y en los Constructivistas rusos, puesto que entre otras cosas, históricamente se constituyeron antes.
En el manifiesto inaugural de W.Gropius dice: “Consideramos que en el pasado las Artes Plásticas tenían como finalidad la ornamentación de las construcciones. El objetivo actual es el de la construcción haciendo posible que el artista y el artesano sean una misma cosa”.
En realidad este discurso suponía la renuncia hacia las tradiciones artístico-académicas. Con esta forma de expresarse querían acabar definitivamente con el individualismo artístico y apuntarse a la tipificación estética impuesta por la técnica en la producción en serie.

La Bauhaus disponía de buenas intenciones relacionadas con la producción en serie, pero W.Gropius llego a afirmar que muy pocos de los artistas que intervinieron en ella se dieron cuenta de las nuevas necesidades del arte con la producción mecánica, puesto que sólo en fechas relativamente recientes se llegaron a reconocer las necesidades y realidades sociales y a proyectar la idea de la Bauhaus al terreno de la praxis industrial. Hay autores que incluso niegan esa posibilidad. No ahora, sino desde 1927, como es el caso de Dexel.
Uno de los obstáculos indudables era el de la estructura docente, que estaba fundada en el principio: maestro-oficial-aprendiz… Siempre bajo el predominio del maestro que a su vez era un famoso artista como: Klee, Kandinsky etc.
El principio artístico quedaba así asegurado.

Las cosas cambiaron cuando a partir de 1925 se organiza en la Escuela una sección de ventas destinada a dar salida a los modelos creados por ellos y que estuvieran de acuerdo con el comercio y la industria.
Uno de los que tiraron del carro en esa dirección fue: Theo van Doesburg, comenzando un diseño propiamente industrial. Procedente del grupo holandés Stijl, Van Doesburg afirma: “su rechazo por la artesanía (que era el punto focal de la Bauhaus) en beneficio del medio moderno que era la maquina.



De Stijl. (Holanda 1917)

Entre sus miembros fundadores destacan:
Theo Van Doesburg, Pier Mondrian y Vantangerloo.
Los principios morales, sociales y políticos que fueron la base del diseño, aquí se convierten en “utopía”. Pero de una utopía estética. Las formas existenciales, la búsqueda hacia las esencias es una cuestión de futuro; aquí no hay ningún intento restaurador y si lo hay puede hacerse a través del arte. Esto se aprecia en las teorías de:

Pier Mondrian: Cuando un individuo se convierte en culto (porque conoce la cultura) se da cuenta que la realidad es intangible. Entonces el artista se libera y la intuición triunfa sobre la razón. De esta forma surge una nueva realidad. La cultura de la forma ha desembocado en la liberación de los límites formales.

Van Doesburg: Pretende definir a la sociedad futura y dice que: “Será anónima y se desconocerá la propiedad privada. No habrá más que trabajadores y gentes que desempeñan actividades espirituales. Para esta sociedad el trabajo será un placer. Siendo el trabajo lo que desarrolla la inteligencia de las gentes”.

Puede decirse que De Stijl desarrolla el concepto de diseño pero desde un punto de vista completamente “teórico”. Sus obras son más bien símbolos que objetos. Y son antes obras de arte que objetos diseñados.
En realidad lo que pretendían era una estatización total de las formas de vida. De todas maneras se diferencia del Modernismo, puesto que estos solo pretendían una estilización de las formas de vida burguesas.
Diseño libre significa vivir en libertad en una sociedad libre.

Marcus: Sigue el mismo discurso que P. Mondrian y Van Doesburg, pretendiendo que definitivamente se rompa la separación entre lo que es estético y lo que es real: “Si los medios de producción utilizados por el hombre fuesen estéticos no habría necesidad de una clase de artistas que buscan lo estético para el deleite de las clases privilegiadas a través del dinero, de la cultura, o de la influencia". Es decir, pretende la superación del arte, pretende la conciliación del negocio con la belleza; de la explotación con el goce, va hacia la búsqueda de “la buena forma”.

De manera análoga la teoría de Stijl preconiza lo siguiente: “Cuando el arte se haya transformado en vida real, habrá llegado la hora de su muerte”. “La belleza debe convertirse en una realidad tangible y la humanidad no sufrirá una gran perdida con la desaparicón del arte”.

Van Doesburg defendía lo mismo: “En una cultura superior, la pintura y la escultura dejaran simplemente de existir".
Para Mondrian el arquitecto y el ingeniero son los que deben creer en el futuro una armonía entre nosotros y nuestro mundo ambiente.

Mucho antes que la Bauhaus, Van Doesburg crea el concepto: “Estética mecánica”. En el sentido de que el proceso del diseño de una maquina es análogo al que subyace a la creación de la obra de arte. De esta manera, de la misma forma que los constructivistas matan el antiguo concepto preconizado por Morris o Ruskin, de identificar al artista con el artesano.
El verdadero artista moderno, es el que hace: Servicios colectivos urbanos, rascacielos, aeropuertos… y no cuadros, objetos de adorno, viviendas privadas…
Del Constructivismo al funcionalismo solo había un paso y el eslabón intermedio fue: “La Bauhaus”.

La estética de: La rigurosa severidad formal. De la tersura técnica. De la total carencia de ornamentación, encuentra sus predecesores en: Los diseños de la ingeniería del siglo XIX. En el severo Jugendstil de Mackintosh. En las concepciones de Adolf Loos.

Adolf Loos, lo tenia muy claro desde 1908 en su ensayo: “Ornamento y delito”. El ornamento es una dilapidación de la fuerza del trabajo. Como el ornamento no deriva de nuestra cultura, tampoco constituye nuestra expresión. Los cambios de ornamentación son los que provocan la desvalorización prematura de los productos del trabajo.
Loos, definía la ornamentación del Jugendstil como: “una epidemia ornamental”. La utopía de esa estética desornamentada pretende a la vez que una revolución estética, otra de carácter social. Cuando a los objetos de uso sencillo y funcional se los desornamenta, puesto que son absurdamente representativos y cambian de acuerdo con las modas, permitirá: Economización de las fuerzas del trabajo. Se elevará la productividad. Se elevarán los salarios. Repercutirá en la durabilidad y en el valor de uso de los productos
Para Adolf Loos, el uso define al diseño y las formas de uso corriente deben estar desornamentadas.

Los otros Grandes punteros en la definición del diseño junto con la Bauhaus y De Stijl, son los Constructivistas Rusos.
Van Doesburg era amigo de Lisstzky, y Malewitch publico trabajos en las obras de la Bauhaus.


Los Constructivistas Rusos

Los rusos dotan al diseño de una carga social, puesto que el constructivismo nace a partir de la Revolución de Octubre de 1917.
Su teórico fue Wladimir Tatlin.
Escasos productos salieron a la calle, quedándose solo en teorizaciones y utopías literarias, en parte porque Stalin los obligó a emigrar y persiguió cualquier desviacionismo.
La conciliación entre el obrero y el artista fue puramente teórico.
En el constructivismo Ruso los miembros del grupo no apoyaron solo una tesis.


El Suprematismo

El no objeto era la autentica expresión artística de la cultura proletaria.
Malewitsch dice: “El arte industrial es una actividad de segundo rango dependiente de la creación del artista”.

W. Tatlin: “El artista tenia que ir de la mano del ingeniero, asociando el mundo del trabajo y de la producción”.

El grupo de expresión de los constructivistas estuvo en la Decoración y en el Diseño Grafico.